Boris WILENSKY - du 11 janvier au 23 février 2019

Boris Wilensky est un photographe français, vivant principalement à Paris, quand il ne voyage pas.

Et dans cette phrase, vous avez toutes les caractéristiques qui définissent son travail et son inspiration.

Portraitiste à la base, son besoin de s'exprimer et de créer son univers s'est fait suite à ses premiers voyages hors métropole et à sa perception d'injustices fortes dans les pays visités. C'est un humaniste.

Le choc ressenti en découvrant Tokyo est le terreau d'une trilogie qu'il va développer en plusieurs voyages asiatiques, qui va se muer progressivement de la fascination à un sentiment plus profond et à une inquiétude. Ce fil conducteur tisse le lien entre les premières doubles-expositions de visages juvéniles dans un univers urbain et paradoxalement déshumanisé, à un environnement trouble post Fukushima avec des visages marqués aux lunettes aveugles, jusqu'à des environnements dégradés, des visage marqués, façonnés par le temps et des regards perçants et nostalgiques.

Le jeu des confrontations entre l'environnement et l'humain est captivant. C'est une invitation au voyage, à la découverte des êtres et de l'humain, mais surtout une réflexion sur les limites de l'urbanité qui se nourrit de ses propres restes pour se reconstruire et se déployer toujours plus avant vers une finalité incertaine.

            

 

            

René KANZLER - du 6 septembre au 20 octobre 2018.

Artiste « photomédiatique »
Au travers de ses œuvres, René Kanzler se concentre sur l’essence de l’image qu’il agrandit de manière à englober le concept même de photographie. Elles deviennent des images photographiques dans lesquelles il met en évidence différents aspects de la réalité. Ce faisant, tous les moyens lui conviennent pour atteindre cette mise en exergue, les images semblant parfois abstraites, parfois superficiellement réalistes.

Le MOB-ART studio a exposé divers travaux de thématiques groupées, récompensés internationalement et produits sur des toiles de grand format ou sur papier.

Les œuvres de René Kanzler ont déjà leur place dans de nombreuses collections européennes telles que la collection d'art Daimler, le musée danois d'art photographique à Odense et dans la collection d'art autrichienne Volpinum à Vienne.

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INTO THE DEEP - du 28 février au 13 avril 2019

Anne LINDNER et Christian NEUMAN

Deux jeunes artistes aux talents multiples nous proposent une plongée dans leur univers respectif:

Anne LINDNER:

Wax, travail à la cire sur fins panneaux de bois, tout en camaïeux de bleus profonds, une descente abyssale, un univers de contes peuplés de personnages fantasques,
comme une rêveuse interprète les nuages.

        

 

Christian NEUMAN:

Peinture à l'huile sur toile, en superpositions de couches, de mouvements, entre vigueur et profondeur, du brillant au mat, impression et sensibilité violentes, une profondeur tridimensionnelle sur la peu lisse de la toile.

               

 

MULTY ARTY 1 - du 16 avril au 27 avril 2019.

Christiana Biron, Flore Fouilloy, Franca Ravet, Danile Bragoni, Eric de Ville, René Kanzler, Paolo Nardiello, Lea Schroeder

 

 

 

Le MOB-ART studio est heureux de participer à la Biennale du Mois Européen de la Photographie

A cette occasion nous présenterons du 3 mai au 15 juin 2019: Florence IFF, Manon MORET et FEEBRILE.

3 artistes féminines

3 univers créatifs

3 sensibilités

Une découverte.

 

Du 20 juin au 10 août 2019

Franca RAVET - peintre

Franca Ravet est née en 1957 à Arlon, en Belgique. Après une formation en « humanités artistiques » à Izel, elle est diplômée en arts plastiques à l’école supérieure des Arts Saint-Luc de Liège.

L’artiste est rapidement mature dans son travail, et développe sa propre créativité. Ses oeuvres se situent au croisement entre abstraction et figuration subtile. L’artiste s’attache à l’humain et à son empreinte, son ressenti, ses sensations. La transparence a dans son travail la plus grande importance: elle témoigne des choix de l’artiste d’effacer ou de laisser les traces de son processus créatif.

Les oeuvres toutes en finesse et en réflexion philosophique de Franca Ravet sont exposées en galerie depuis 1979. Après avoir conquis l’Europe et en particulier son pays natal, la France, le Luxembourg et le Portugal, elle a également exposé en Chine. L’artiste a également reçu des prix pour son travail et ses oeuvres font partie de collections privées et publiques, au Luxemburg, Suisse, Allemagne, Japon et Chine

Daniele BRAGONI - Essential Lightness

 

Du 18 septembre au 26 octobre 2019

 

53 ans – né à Esch-sur Alzette – Luxembourg - sculpteur

Daniele BRAGONI a été formé à l’Académie des Beaux-arts de Carrara (Italie) où il a obtenu un Master. Il se spécialise durant ses études en toutes techniques sculpturales et  en a fait son métier depuis 30 ans.

Durant les années qui ont suivi cette formation, c’est principalement le marbre qu’il a privilégié et est arrivé à une maîtrise totale de la matière y compris dans les réalisations monumentales. Sa participation à des concours lui a amené divers succès mais, surtout de l’expérience. Outre sculpter, c’est répondre à une architecture et ses fonctionnalités. C’est écouter la matière et donner une réponse en toute harmonie.

Depuis un peu plus de 5 ans, il a créé une forme (l’onde) qu’il explore dans toutes les possibilités qu’il peut exploiter. Devenue de plus en plus fine, légère, l’évidence de la réaliser dans d’autres matières s’est imposée naturellement et il explore d’autres possibilités avec comme élément de recherche la légèreté.

Cette œuvre se développe aussi en terre cuite.

Ce renouvellement permanent dans sa sculpture permet à Daniele Bragoni de l’intégrer sans limite tant à l’intérieur qu’à l’extérieur.

La légèreté et l’équilibre sont pour lui une recherche permanente et l’intégration dans l’espace toujours un but à atteindre.

Ses dernières pièces, créées pour cette exposition, confrontent la sensualité de sa forme première, son onde, avec la géométrie toute rigoureuse et brute du carré et du triangle. Renouveau créatif.

Chantal De Jaeger- Analyste d’Art

Luc Schroeder – Galeriste

 

• Trigonometria - 64/40/20cm Trigonometria - 64/40/20cm
• Théorème - 64/40/20cm Théorème - 64/40/20cm
• Onda Gialla Onda Gialla
• Relation Relation
• Sinuosité - 186/50/25cm Sinuosité - 186/50/25cm
• Trilogie Trilogie
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INTERPRETATION - du 27.02.20 au 11.04.20

Claire Fanjul et Sébastien Grébille

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Claire FANJUL

Claire Fanjul est une artiste française exposant régulièrement à Paris, Bruxelles, Miami et New York.
L'émission Métropolis d'Arte TV lui consacre un reportage en mai 2019.
Très attachée au papier, l'artiste intervient également sur des supports en trois dimensions tels que des œufs d'autruches et des crânes en céramique. En octobre 2018, son premier conte musical illustré sur le thème des Bottes de Sept Lieues, est édité chez Harmonia Mundi / Little Village.
Elle développe depuis 2018 la série Utopia en dessinant au Posca sur des sphères en bois. Ces cartographies imaginaires sont présentées à Bruxelles, New York, San Francisco ou encore Miami et à Paris.
En 2019, les œuvres de Claire sont exposées au musée d'art outsider La Halle Saint Pierre dans le cadre de l'exposition Hey! Act 4 qui regroupe 35 artistes internationaux.
En 2020 sort son premier dessin pour Carré de soie intitulé La Folle Parade, édité par Hermès Paris.

Sébastien GREBILLE

Violoniste à l’Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Sébastien Grébille s’est approché de la photographie par le biais de la musique. Retranscrire au public l’émotion, le geste technique ou la puissance des maîtres du classique est devenu incontournable.

Peu à peu, il se mit à chercher ces ambiances intenses, lyriques et dramatiques en d’autres lieux.

La recherche de sites intemporels et surréalistes parfois, où l’on retrouve une nature puissante, féérique, sauvage, mais aussi des traces de civilisation devint une priorité. Pour mettre en scène ces vues hors du commun, il utilise une technique de longue exposition : les ciels chargés de nuages denses s’expriment alors librement, la mer devient laiteuse, ce qui suggère la vision d’un autre monde.

SUMMER GROUP SHOW - "Women Only"

Exposition regroupant 9 talents exclusivements féminins du 22 juillet au 12 septembre 2020.

Nous y présentons de la peinture biensûr avec Franca RAVET, Bernadette SNYERS, Margret TRIMBORN, Flore FOUILLOY, Zénia MOUSSALLI et Geneviève REILLE-TAILLEFERT, mais aussi de la sculpture avec deux masques de créés par Franca RAVET ou de la céramique avec la jeune luxembourgeoise Léa SCHROEDER et enfin de la photographie avec Florence IFF et les compositions ludiques de Txiki MARGALEF.

Un voyage en formes, en couleurs, mais aussi en profondeur dans l'univers féminin multiple d'artistes européennes.

• 201425 - Bernadette Snyers 201425 - Bernadette Snyers
• Anna - Florence Iff Anna - Florence Iff
• Derwisch - Zénia Moussalli Derwisch - Zénia Moussalli
• Sans titre bleu - Margret Trimborn Sans titre bleu - Margret Trimborn
• It's just a Dream - Léa Schroeder It's just a Dream - Léa Schroeder
• A l'Attaque - G. Reille-Taillefert A l'Attaque - G. Reille-Taillefert
• Le respect se perd - Franca Ravet Le respect se perd - Franca Ravet
• Masque - Franca Ravet Masque - Franca Ravet
• Sans titre - Txiki Margalef Sans titre - Txiki Margalef
• Triangles 7 - Flore Fouilloy Triangles 7 - Flore Fouilloy
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WINTER LIGHT - Group Show

 

Cette exposition de fin d'année réuni une dizaine d'artistes avec des oeuvres récentes ou prévues initialement pour la Luxembourg Art Week 2020.

L'occasion était belle de vous faire découvrir tout ceci en live à la galerie et de vous suggérer des idées de cadeaux de qualité en faisant vivre nos artistes.

Nous accueillons pour la première fois Arlex Sculptural-Art et son tigre monumental en acier facetté façon Orlinski ou plus exactement Veilhan, mais vous rouverez également:

- Franca RAVET en grands et petits formats

- Samuël LEVY avec ses crânes, ses boards et ses petits formats colorés de nature artificielle

- Les acryliques de Flore FOUILLOY

- Anne LINDNER avec un dyptique poètique, dynamique et coloré sur toile

- Les MOTS de Manon MORET couvrant des corps, tiout en réflexions

- Eric de VILLE drapant sa Babel parisienne en Black and Night

- L'oeuvre UFOS IV sur textile de Christian NEUMAN

- Les marbres envoûtants de Daniele BRAGONI

- L'univers de contes de Claire FANJUL entre oeufs d'autruches et crânes

ou

- Les Bruits de Nature impressionnistes de Bruno DESPLANQUES

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Eric de VILLE - du 26 octobre au 8 décembre 2018

La clé est dans le titre

Photographe spécialisé et reconnu durant trente ans dans la publicité automobile et l'univers du Luxe, Eric de Ville acquiert sa notoriété grâce à une technicité alliée au respect des matières, à son sens des lumières et des compositions, lui offrant ainsi des contrats d’exclusivité avec plusieurs Grandes Maisons. 
En parallèle de cette carrière, Eric de Ville manipule depuis toujours les images dans son laboratoire en leur donnant une dimension purement artistique et imaginaire, voire surréaliste, qui dépasse la simple objectivité descriptive d’une photographie traditionnelle.          
Aujourd’hui, sa maîtrise de la retouche numérique lui permet d’explorer ses inspirations et de concrétiser sans restriction ses projets artistiques.
Sa démarche photographique se rapproche de celle d’un peintre. 

Tchat

A l’inverse d’un photographe traditionnel qui capte un sujet qu’il voit, choisissant le cadrage et attendant la bonne lumière ou l’instant idéal, Eric de Ville pense d’abord au thème ou au sujet qu’il va choisir d’interpréter: la réalité du quotidien, les événements qui l’ont interpellé et marqué dans l’actualité, dans  l’histoire, l’art ou l'humour. 
Une fois le thème choisi vient la manière dont il le traduit et le met en scène avec sa personnalité.
La composition de l'œuvre se base sur ses propres prises de vue qui seront ensuite manipulées numériquement pour arriver à l’œuvre finale.
Soucieux du détail, de la qualité et de la justesse de la lumière, son travail n’est pas un simple "collage" de divers éléments, mais bien une recomposition faite avec sa sensibilité pour en arriver à créer une réalité "virtuelle" qui questionne le spectateur.
Derrière ses compositions, il y a un message que chacun est libre de voir et d’interpréter suivant ses codes, la clé étant dans le titre. (D.Brouwers)

        Babel en Black and Night

 Good Morning Europe

Christian NEUMAN:

Artiste luxembourgeois aux multiples facettes et talents, connu au Luxembourg et à l'étranger par son travail cinématographique en tant que scénariste et réalisateur, ou pour ses collections de vêtements, Christian NEUMAN présente cette fois en solo show l'évolution de son travail pictural.

En une dizaine d'années, l'évolution du travail pictural de Christian s'est effectuée de manière radicale, à son image.Il passe allègrement d'un figuratisme punk/trash fleurant l'underground londonien et son atmosphère interlope, à une abstraction tangente, sur le fil, ou les éléments sont suggérés, cachés mais présents, oû les couleurs prennent le pas sur le sujet pour créer le cadre et le choc. Cette évolution récente, où le plaisir de la toile est retrouvé, après un passage par la matière pure et dure avec la récupération de matériaux sans support mais interpellant sur le mode de vie actuel, traduit aussi la fatuité, dans un monde surmédiatisé, d'ajouter de l'image pour l'image. 

Ses nouvelles œuvres, fortes et hautes en couleurs, gardent la profondeur de ce qui est caché et à découvrir, d'émotions 3d compressées sur la toile, d'impressions urbaines d'un underground londonien ou tokyoïte dans lesquelles vaguabnde son imaginaire. (LS)

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Willi BUCHER

Naissance en 1948 à Bühl près de Günzburg en Allemagne.

1969-1970

Ecole technique d’Art d‘Augsburg: Graphisme-Design

1970-1974      

Ecole supérieure de design de Darmstadt: Design en communication et diplôme de designer

1974-1977 

Université Goethe Frankfurt a.M.: Formation d’enseignant en Art et Sciences Sociales

Depuis 1980, il travaille en tant que artiste peintre indépendant, artiste vidéaste et curateur/concepteur d’expositions.

 

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Willi BUCHER - Peintre (Ludwig Seyfarth)

 

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Julien BENHAMOU – Photographe des Etoiles de l’Opéra de Paris

 

Du 31 octobre au 30 novembre 2019

 

Né en 1979, Julien Benhamou vit et travaille à Paris. 

A l’âge de 12 ans, on lui a offert l’objet qui fera de lui un artiste aujourd’hui, un appareil photo entièrement manuel qui deviendra très vite pour lui un outil passionnant.  Il réalise que photographier des gens lui permettait d’accéder à un rapport privilégié avec eux.

Après ses études de photographe, sa vocation est née. Il devient l’assistant de plusieurs photographes de mode et d’art contemporain.  

Puis c’est en 2008, lors de la réalisation d’un projet personnel avec l’Opéra National de Paris exposé au Ministère de la Culture, qu’il décide de devenir photographe indépendant. 

Ses rencontres et collaborations avec les grands de la danse, telles que Marie-Agnes Gillot, Marie-Claude Pietragalla, Benjamin Millepied, Aurélie Dupont et Ohad Naharin, lui donnent des ailes et le passionnent. Loin de l’image académique des ballets classiques, il offre de la danse une vision poétique et sophistiquée. Les poses sont libérées des conventions, les lumières artificielles dessinent les corps et les muscles , et les danseurs posent tels des mannequins en mouvement. 

Devenu l’un des photographes officiels de l’Opéra National de Paris, Julien Benhamou sort son premier livre le 10 octobre 2018, regroupant les photos de ces artistes danseurs qui émerveillent.

 

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Daniele BRAGONI

 

Artiste et chercheur à la fois !

Depuis quelques années, le public connaît la sculpture de Daniele Bragoni. Très souvent, c’est une onde qu’il a créée il y a quelque temps qui est la première représentation que les personnes ont en images.

Ce que le public ignore généralement, c’est que cet artiste à ses débuts, à commencé par la représentation figurative tant en sculpture qu’en peinture. Ceci, c’est parce que formé par des études classiques (Académie des Beaux-arts de Carrara), forcément l’exploration artistique à prise son développement dans les sources étudiées.

Ensuite, les rencontres artistiques, les séjours (Japon), l’expérience et le travail l’ont porté vers la recherche de la forme et de la pensée.

Petit à petit, les formes se sont épurées pour aller vers l’essentiel. La maîtrise technique lui a donné la possibilité d’explorer la matière et de pouvoir affirmer à ce jour qu’elle est devenue le support visuel du concept. On pourrait comparer cela à un écrivain, qui ne cherche pas ses mots parce que la richesse du vocabulaire qu’il a acquis est telle que son esprit est libre pour raconter ses pensées. L’orthographe est également maîtrisée, ainsi que la construction de phrases. Tout y est, l’œuvre peut exister !

 

De par cette facilité et cette absence de contraintes techniques, l’esprit est libre pour l’exploration conceptuelle de l’art. Par ce fait, Daniele Bragoni a commencé depuis un an une recherche qui l’a amené à créer ce qui n’existe pas actuellement dans la sculpture : une œuvre qui de face est figurative et de profil est abstraite.

Et c’est en observant son « Onde », en la développant verticalement, que l’idée lui est venue. Rappelons-nous, que les débuts de Bragoni, c’est la sculpture figurative.

Voyant cette Onde verticale, il a décidé d’y intégrer la forme humaine, et pourquoi pas la représentation des grands classiques de la sculpture de la renaissance.

Aussi, la Venus de Milo, l’Hercule Farnese, le David de Lorenzo di Credi sont représentés, tout comme des personnages plus contemporains, tels La Femme (B. Bardot), l’adolescent, l’enfant, etc…

Cela étonne, comme toujours quand on crée ce qui est de l’ordre de l’inconnu. On se pose la question : mais comment fait-il ? Si on ajoute à cela qu’il associe des marbres différents entre eux comme si la pierre était naturellement faite de tranches de différentes couleurs !

Cette recherche fort récente surprend réellement et nous sommes en attente de voir jusqu’où Daniele Bragoni va aller, car à chaque pièce nouvelle, l’exploit est dépassé.

Ce n’est pas un simple livre qu’il est en train de créer mais une réelle histoire en plusieurs volumes. A suivre…

 

Chantal De Jaeger- Analyste d’art