Boris WILENSKY - du 11 janvier au 23 février 2019

Boris Wilensky est un photographe français, vivant principalement à Paris, quand il ne voyage pas.

Et dans cette phrase, vous avez toutes les caractéristiques qui définissent son travail et son inspiration.

Portraitiste à la base, son besoin de s'exprimer et de créer son univers s'est fait suite à ses premiers voyages hors métropole et à sa perception d'injustices fortes dans les pays visités. C'est un humaniste.

Le choc ressenti en découvrant Tokyo est le terreau d'une trilogie qu'il va développer en plusieurs voyages asiatiques, qui va se muer progressivement de la fascination à un sentiment plus profond et à une inquiétude. Ce fil conducteur tisse le lien entre les premières doubles-expositions de visages juvéniles dans un univers urbain et paradoxalement déshumanisé, à un environnement trouble post Fukushima avec des visages marqués aux lunettes aveugles, jusqu'à des environnements dégradés, des visage marqués, façonnés par le temps et des regards perçants et nostalgiques.

Le jeu des confrontations entre l'environnement et l'humain est captivant. C'est une invitation au voyage, à la découverte des êtres et de l'humain, mais surtout une réflexion sur les limites de l'urbanité qui se nourrit de ses propres restes pour se reconstruire et se déployer toujours plus avant vers une finalité incertaine.

            

 

            

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René Kanzler – Artiste « photomédiatique » - Du 6 septembre au 20 octobre 2018.

Au travers de ses œuvres, René Kanzler se concentre sur l’essence de l’image qu’il agrandit de manière à englober le concept même de photographie. Elles deviennent des images photographiques dans lesquelles il met en évidence différents aspects de la réalité. Ce faisant, tous les moyens lui conviennent pour atteindre cette mise en exergue, les images semblant parfois abstraites, parfois superficiellement réalistes.

Le MOB-ARTstudio a exposé divers travaux de thématiques groupées, récompensés internationalement et produits sur des toiles de grand format ou sur papier.

Les œuvres de René Kanzler ont déjà leur place dans de nombreuses collections européennes telles que la collection d'art Daimler, le musée danois d'art photographique à Odense et dans la collection d'art autrichienne Volpinum à Vienne.

             

 

 

            

 

 

                                

INTO THE DEEP - Anne Lindner et Christian Neuman - du 28 février au 13 avril 2019

Deux jeunes artistes aux talents multiples nous proposent une plongée dans leur univers respectif:

Anne LINDNER:

Wax, travail à la cire sur fins panneaux de bois, tout en camaïeux de bleus profonds, une descente abyssale, un univers de contes peuplés de personnages fantasques,
comme une rêveuse interprète les nuages.

        

Anne Lindner:

- Dreamscape (encaustique - 40/40cm - 450 euros/pièce)

- Modèles 40/125cm - 3.100 euros

- Modèles 50/150cm - 3.800 euros 

 

Christian NEUMAN:

Peinture à l'huile sur toile, en superpositions de couches, de mouvements, entre vigueur et profondeur, du brillant au mat, impression et sensibilité violentes, une profondeur tridimensionnelle sur la peu lisse de la toile.

              

Christian Neuman: 

- Untitled (huile et spray sur toile 100/150cm - 5.000 euros) 

- Untitled (huile et spray sur toile 80/120cm - 3.800 euros)

- LUSH   (huile et spray sur toile 100/150cm - 5.000 euros)

- FOG     (huile et spray sur toile 100/150cm - 5.000 euros)

Du 16 avril au 27 avril 2019.

Christiana Biron, Flore Fouilloy, Franca Ravet, Danile Bragoni, Eric de Ville, René Kanzler, Paolo Nardiello, Lea Schroeder

 

 

 

 

Le MOB-ART studio est heureux de participer à la Biennale du Mois Européen de la Photographie

A cette occasion nous présenterons du 3 mai au 15 juin 2019: Florence IFF, Manon MORET et FEEBRILE.

3 artistes féminines

3 univers créatifs

3 sensibilités

Une découverte.

 

Du 20 juin au 10 août 2019

Franca RAVET - peintre

Franca Ravet est née en 1957 à Arlon, en Belgique. Après une formation en « humanités artistiques » à Izel, elle est diplômée en arts plastiques à l’école supérieure des Arts Saint-Luc de Liège.

L’artiste est rapidement mature dans son travail, et développe sa propre créativité. Ses oeuvres se situent au croisement entre abstraction et figuration subtile. L’artiste s’attache à l’humain et à son empreinte, son ressenti, ses sensations. La transparence a dans son travail la plus grande importance: elle témoigne des choix de l’artiste d’effacer ou de laisser les traces de son processus créatif.

Les oeuvres toutes en finesse et en réflexion philosophique de Franca Ravet sont exposées en galerie depuis 1979. Après avoir conquis l’Europe et en particulier son pays natal, la France, le Luxembourg et le Portugal, elle a également exposé en Chine. L’artiste a également reçu des prix pour son travail et ses oeuvres font partie de collections privées et publiques, au Luxemburg, Suisse, Allemagne, Japon et Chine

Eric de Ville du 26 octobre au 8 décembre 2018

Eric de Ville

La clé est dans le titre

Photographe spécialisé et reconnu durant trente ans dans la publicité automobile et l'univers du Luxe, Eric de Ville acquiert sa notoriété grâce à une technicité alliée au respect des matières, à son sens des lumières et des compositions, lui offrant ainsi des contrats d’exclusivité avec plusieurs Grandes Maisons. 
En parallèle de cette carrière, Eric de Ville manipule depuis toujours les images dans son laboratoire en leur donnant une dimension purement artistique et imaginaire, voire surréaliste, qui dépasse la simple objectivité descriptive d’une photographie traditionnelle.          
Aujourd’hui, sa maîtrise de la retouche numérique lui permet d’explorer ses inspirations et de concrétiser sans restriction ses projets artistiques.
Sa démarche photographique se rapproche de celle d’un peintre. 

Tchat

A l’inverse d’un photographe traditionnel qui capte un sujet qu’il voit, choisissant le cadrage et attendant la bonne lumière ou l’instant idéal, Eric de Ville pense d’abord au thème ou au sujet qu’il va choisir d’interpréter: la réalité du quotidien, les événements qui l’ont interpellé et marqué dans l’actualité, dans  l’histoire, l’art ou l'humour. 
Une fois le thème choisi vient la manière dont il le traduit et le met en scène avec sa personnalité.
La composition de l'œuvre se base sur ses propres prises de vue qui seront ensuite manipulées numériquement pour arriver à l’œuvre finale.
Soucieux du détail, de la qualité et de la justesse de la lumière, son travail n’est pas un simple "collage" de divers éléments, mais bien une recomposition faite avec sa sensibilité pour en arriver à créer une réalité "virtuelle" qui questionne le spectateur.
Derrière ses compositions, il y a un message que chacun est libre de voir et d’interpréter suivant ses codes, la clé étant dans le titre.

  Adam et Eve             Eden Gardens 

        Babel en Black and Night

Paradise

              

 La Condition Humaine                                                                           Good Morning Europe

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Willi BUCHER

Naissance en 1948 à Bühl près de Günzburg en Allemagne.

 

1969-1970

Ecole technique d’Art d‘Augsburg: Graphisme-Design

1970-1974      

Ecole supérieure de design de Darmstadt: Design en communication et diplôme de designer

1974-1977 

Université Goethe Frankfurt a.M.: Formation d’enseignant en Art et Sciences Sociales

Depuis 1980, il travaille en tant que artiste peintre indépendant, artiste vidéaste et curateur/concepteur d’expositions.

 

Willi BUCHER - Peintre   -   par Ludwig Seyfarth

PEINTURE

« Willi Bucher est un peintre dans l’âme et le reste. Ceci pour souligner que la couleur et la toile jouent toujours un rôle majeur dans son travail, aux côtés de nombreux autres moyens d'expression. Ainsi, les expériences techniques et les recherches, qui prennent leur place depuis ‘près de vingt ans’ (ndlr) dans une part croissante de ses installations artistiques, peuvent finalement être considérées comme une continuation de la peinture par d'autres moyens. Bucher se voit comme un enfant de l'âge analogique. Ce n'est que lorsqu'il a eu plus de 50 ans qu'il commence à s'intéresser à la vidéo et à la technologie numérique et développe depuis une variété d'œuvres spatiales et temporelles. »

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MALEREI

“Willi Bucher ist ursprünglich Maler – und das ist er bis heute geblieben. Damit ist nicht nur gemeint, dass Farbe und Leinwand in seinem Werk neben vielen anderen Ausdrucksmitteln immer noch eine grosse Rolle spielen. Auch die technischen Experimente und Forschungen, die seit ‘ungefähr zwanzig Jahren’ (ndlr) einen größeren Raum in seiner sich installativ erweiternden Kunst einnehmen, lassen sich letztlich als eine-Fortsetzung der Malerei mit anderen Mitteln sehen. Bucher sieht sich als Kind des analogen Zeitalters. Erst mit über 50 Jahren begann er, sich extensiv mit Video- und digitaler Technik auseinanderzusetzen und entwickelte seitdem eine Vielfalt raum- und zeitbezogener Werke.”

PAINTING

“Willi Bucher is originally a painter – and has remained so to this day. By this, it is meant not only that, in addition to many other means of expression, paint and canvas still play a large role in his work. The technical experiments and research projects, which for ‚almost twenty years‘ (ndlr) now have also played a larger role in his increasingly spatially-oriented art, can be seen as a continuation of his painting, albeit with other means. Bucher considers himself to be a child of the analogue age. He was already 50 years old when he began his extensive investigation of the possibilities of video and digital technology and has since developed a broad range of site- and time-specific works.“

 

Willi BUCHER - Inventeur artistique         -       par Dieter Ronte

 

Et ils existent : des artistes qui ne sont pas prêts à faire des compromis, qui refusent de créer une nouvelle esthétique par la répétition, qui restent en dehors de l'art médiatique parce qu'ils prennent l'art, la vie, la curiosité et l'émerveillement au sérieux.

Willi Bucher est l'un de ces rares citoyens qui créent des œuvres d'art en constante évolution, qui ont leur propre aura, qui peuvent répondre aux questions de demain et non à celle d'hier, qui refusent d'agir simplement comme preuve d'une thèse socioculturelle. Bucher pratique cette pensée libérale avec cohérence, humour, sérieux et intelligence analytique en tant qu'enseignant, conservateur et artiste autodidacte qui connaît les médias et les développe pour le plus grand plaisir des ingénieurs, qui ont construit un éventail d'options artistiques aussi large et pourtant indubitable sans avoir à se trahir.

Les carrés de page d'esquisse sont de petites images sur papier avec entre 12 000 et 15 000 petits carrés ou rectangles, interrompus par des tirages de peinture à l'huile.

De nos jours, lorsque les pixels régissent le monde et les données personnelles, Bucher utilise ces expériences pour des raisons esthétiques et non capitalistes, et il crée de nouveaux espaces visuels, des motifs et des séquences qui jouent avec le premier plan et l'arrière-plan. Ils peuvent être lus comme des lettres ou des histoires entières, comme un nouvel espéranto qui se réfère au spectateur respectif avec son individualité. Poésie et romans entiers expérimentent leur grammaire de couleur et d'espace. Les mots échappent même à l'existence du rendez-vous et deviennent des images libres d'étonnement visuel.

Les stèles OLED (développées avec l'architecte Martin Skowronek et le département OLED de Merck) sont des sculptures faites de diodes électroluminescentes organiques pour les espaces publics, qui peuvent être urbains ou prendre une référence paysagère. Dans leurs couleurs précises, les colonnes de 15 à 20 mètres de haut sur un piédestal de trois mètres de haut rappellent la pensée constructive des traditions picturales, de Josef Albers et du Bauhaus, de l'école de constructivisme de Zurich, du suprématisme, du Mondrian, etc. Bref, ils portent en eux l'énorme histoire de l'art et les élèvent ainsi au rang de monument.

Selon le lieu d'exposition, la discussion sera une discussion sur l'histoire de l'art, par exemple devant le Landesmuseum Darmstadt, mais elle se réfère aussi à l'espace architectural, ou elle est un artefact humain, conçu à l'aide d'ordinateurs, comme un additum et en même temps une question dans la nature, qu'elle prend comme point de départ d'une peinture esthétique tridimensionnelle sans copier de la nature. Cette nature, qu'il s'agisse de terres arables ou de parcs, est toujours artificielle, c'est-à-dire «maîtrisée par l’homme ».

Le conteneur maritime est une tour de 5 conteneurs superposés et s'élève à environ 15 mètres en hauteur. Le conteneur comme ordre, cacher, conserver, transporter, etc. est un outil de design que Bucher a déjà inclus dans sa pensée artistique par le passé ('Zivilisationsrest', 'mea culpa'), qui en même temps indique clairement quelles structures sociales l'artiste veut mettre en évidence.

La technologie consiste en des écrans OLED derrière une double paroi vitrée. Au lieu de cela, les 91 anciennes briques de verre sont encore divisées en carrés, de sorte que le monde numérique peut agir de concert avec le monde naturel. Des flux réels contre l'eau numérique, un événement multiforme qui déclenche le calme et l'agitation, l'enthousiasme et une réflexion profonde. Les briques de verre servent de murs et sont en même temps des murs transparents pour les rétro-projections (que Bucher appelle beboxx).

Les images vidéo sont tirées des œuvres vidéo antérieures de Bucher 'Spüli' et 'Seeping White'. Bucher continue de développer son travail. La pensée artistique est un processus continu et sans fin. Mais, cela signifie aussi que l'artiste interroge à plusieurs reprises les œuvres plus anciennes, en tirant parti de celles-ci et sans les remettre en question.

Nous sommes familiers de tels processus artistiques issus de l'histoire de l'art, et non des domaines innovants des médias d'aujourd'hui. Mais l'art de Bucher est une remise en question constante de notre réalité, qui se fond dans les œuvres et qui, en même temps, est une autre dimension de la réalité étendue par l'œuvre d'art. L'art de Bucher est d'une grande puissance visuelle qui, cependant, n'est pas utilisé pour l'embellissement simple, mais a été développé comme un partenaire de discussion pour le spectateur. Le dialogue est plein de surprises et mène à de nouvelles perspectives sur la vie, l'action et la réalisation de soi-même. Son art pénètre de manière innovante les domaines de l'art, de la science et de la nature.

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Daniele BRAGONI

 

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Artiste et chercheur à la fois !

Depuis quelques années, le public connaît la sculpture de Daniele Bragoni. Très souvent, c’est une onde qu’il a créée il y a quelque temps qui est la première représentation que les personnes ont en images.

Ce que le public ignore généralement, c’est que cet artiste à ses débuts, à commencé par la représentation figurative tant en sculpture qu’en peinture. Ceci, c’est parce que formé par des études classiques (Académie des Beaux-arts de Carrara), forcément l’exploration artistique à prise son développement dans les sources étudiées.

Ensuite, les rencontres artistiques, les séjours (Japon), l’expérience et le travail l’ont porté vers la recherche de la forme et de la pensée.

Petit à petit, les formes se sont épurées pour aller vers l’essentiel. La maîtrise technique lui a donné la possibilité d’explorer la matière et de pouvoir affirmer à ce jour qu’elle est devenue le support visuel du concept. On pourrait comparer cela à un écrivain, qui ne cherche pas ses mots parce que la richesse du vocabulaire qu’il a acquis est telle que son esprit est libre pour raconter ses pensées. L’orthographe est également maîtrisée, ainsi que la construction de phrases. Tout y est, l’œuvre peut exister !

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De par cette facilité et cette absence de contraintes techniques, l’esprit est libre pour l’exploration conceptuelle de l’art. Par ce fait, Daniele Bragoni a commencé depuis un an une recherche qui l’a amené à créer ce qui n’existe pas actuellement dans la sculpture : une œuvre qui de face est figurative et de profil est abstraite.

Et c’est en observant son « Onde », en la développant verticalement, que l’idée lui est venue. Rappelons-nous, que les débuts de Bragoni, c’est la sculpture figurative.

Voyant cette Onde verticale, il a décidé d’y intégrer la forme humaine, et pourquoi pas la représentation des grands classiques de la sculpture de la renaissance.

Aussi, la Venus de Milo, l’Hercule Farnese, le David de Lorenzo di Credi sont représentés, tout comme des personnages plus contemporains, tels La Femme (B. Bardot), l’adolescent, l’enfant, etc…

Cela étonne, comme toujours quand on crée ce qui est de l’ordre de l’inconnu. On se pose la question : mais comment fait-il ? Si on ajoute à cela qu’il associe des marbres différents entre eux comme si la pierre était naturellement faite de tranches de différentes couleurs !

Cette recherche fort récente surprend réellement et nous sommes en attente de voir jusqu’où Daniele Bragoni va aller, car à chaque pièce nouvelle, l’exploit est dépassé.

Ce n’est pas un simple livre qu’il est en train de créer mais une réelle histoire en plusieurs volumes. A suivre…

 

Chantal De Jaeger- Analyste d’art

 

Féebrile

 

Féebrile, née en 1986 à Lyon, est photographe autodidacte depuis 2006. L'autoportrait est le centre de son travail. Elle vit et travaille actuellement à Belfort.

• Eriger des Murs Eriger des Murs
• Kumo Kumo
• La Salle d'Etude La Salle d'Etude
• L'Attente d'après Patrick Jannin L'Attente d'après Patrick Jannin
• Rosa II Rosa II
• Unna Unna
• Vénus Safari Vénus Safari
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Bruno Desplanques

 

Comme un bruit de nature est le titre générique de mon travail pictural depuis une dizaine d’années.

 

Mes tableaux résultent de la superposition de touches de couleur appliquées à l’aide d’une truelle de maçon sur différents supports en vue de restituer la perception sensible des éléments naturels et de faire émerger des espaces perspectifs s’apparentant à des paysages sylvestres imaginaires.

Il s’agit, à travers une pratique expérimentale et intuitive s’exerçant sans dessin préalable entre contrôle et lâcher-prise, de révéler les pouvoirs évocateurs de la tâche, de la couleur, du geste.

Si on y retrouve la sensation des mouvements de l’eau, de l’air et de la lumière, des énergies créatrices qui nous animent et dont nous dépendons, il s’agit surtout de faire dialoguer le sujet et le médium : la nature et la peinture.

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Il est question davantage de paysage de peinture que de peinture de paysage.

La vitalité des éléments suggérés, le foisonnement de la végétation emplissant l’espace librement sans limites apparentes sont pour moi une sorte de métaphore de la peinture, libre et désireuse de s’étaler, de se répandre et d’envahir l’espace même du support jusqu’à englober le spectateur lui aussi.

Comme à l’orée d’un bois ou d’une forêt profonde, un pied déjà dedans, le spectateur est invité à pénétrer dans la peinture avec le désir et la crainte mêlée de s’y perdre pour mieux s’y retrouver à moins que ce ne soit l’inverse.

Au-delà de l’usage traditionnel de la toile, l’emploi régulier d’un support en bois au format modulaire régulier (carré de 30 x 30 cm) permet, non seulement, de réaliser des fresques « panoramiques » sans limite ni contrainte de format, mais aussi, d’intégrer différentes configurations de lieux en prenant place selon des dispositifs de géométries variables dans des espaces intérieurs ou extérieurs, naturels ou architecturaux.

Par ajout successif il permet de repousser sans cesse le hors-champ et de répondre ainsi au désir de capter le paysage dans son immensité.

A l’inverse, par sa possible fragmentation, il permet des recadrages multiples, au gré des agencements, comme autant de focalisation sur des microcosmes à explorer dans les détails.

Ma peinture ne serait-elle pas un ensemble de parcelles de nature cherchant, au fil du temps, à se compléter et à se prolonger telle une cartographie à l’échelle 1 imaginée par Lewis Carroll ou par Jorge Luis Borges, pour saisir le réel et révéler son infinitude ?

 

 

Margaux Hug

 

La série photographique "Plastic Food" photographiée par Margaux Hug, explore la vision que nous avons de notre quotidien à travers la junk food et tout l'univers artificiel que celle-ci évoque. 

• Plastic Food Plastic Food
• Plastic Food Plastic Food
• Plastic Food Plastic Food
• Plasic Food Plasic Food
• Plastic Food Plastic Food
• Plasitc Food Plasitc Food
• Plastic Food Plastic Food
• Plastic Food Plastic Food
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Bob Van der Auwera

 

(…) Bob Van der Auwera aime la ligne quand elle traverse, droite, le blanc du papier. En tant que sculpteur, le blanc devient le vide. Il est ce trou que Henri Moore découvre un jour en traversant la masse d’un de ses volumes. Ce fût dans les années 1930, pour l’artiste anglais, une révélation.

Ainsi donc, toute sculpture vit autant des relations entre ses parties pleines qu’entre celles-ci et le vide qui, soit les entoure, soit les sépare. Mais Moore restera fidèle aux formes naturelles. Entre-temps, une autre forme d’art allait imposer cette relation avec le vide et la lumière : l’architecture moderne.

Il y a des deux dans l’oeuvre de Van der Auwera. En établissant entre les lignes - tiges en méplat - et les plans, des relations dynamiques, c’est avant tout le vide entre qui s’anime. L’oblique y joue un rôle : comme dans les compositions picturales, elle induit un mouvement autant qu’une perspective.

Donc une profondeur, illusoire parfois, bien réelle à d’autres moments.

Ainsi naît à l’intérieur d’un cube - le plus souvent - une agitation maîtrisée, une musique qui entraîne l’œil au dedans de la pièce qui garde, généralement, la taille d’un objet…de curiosité.

Guy Gilsoul

• Echappée Echappée
• Chemin-faisant Chemin-faisant
• Cicéron c'est pas Carré Cicéron c'est pas Carré
• Conduite visuelle Conduite visuelle
• Enserrement Enserrement
• Entrecroisement Entrecroisement
• Entrelacs Entrelacs
• Espace circulaire Espace circulaire
• Espace Livresque Espace Livresque
• Fenêtre Céleste 1 Fenêtre Céleste 1
• Fenêtre Céleste 2 Fenêtre Céleste 2
• Fernsterchen Fernsterchen
• Focus III Focus III
• Glissements Glissements
• Hoekje Hoekje
• L'Homme qui Marche - Hommage à Rodin L'Homme qui Marche - Hommage à Rodin
• La Grande Arche La Grande Arche
• Less is More Less is More
• New Born New Born
• Racine Carrée Racine Carrée
• Rencontre au Sommet Rencontre au Sommet
• Rollekebol Rollekebol
• Swinging Windows Swinging Windows
• UU I UU I
• Vent Debout Vent Debout
• Verlan Verlan
• Voie Sublime Voie Sublime
• X-Croissance X-Croissance
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Source : Guy Gilsoul :

- membre de l’association internationale des critiques d’art (AICA) et de l‘association belge des  critiques d’art (ABCA) ;

- chroniqueur artistique pour le Vif l’Express et pour le magazine Juliette & Victor. 

 

 

Manon Moret

 

Le projet « Mes Mots » allie performance, écriture et photographie et joue avec la réalité matérielle et la réalité psychique en juxtaposant des mots sur différents supports, notamment des corps humains. Pour ce dernier exercice, chaque photo est le fruit d’une rencontre nous obligeant mon modèle et moi-même à cohabiter ensemble pendant plusieurs jours avec le même objectif.

• Corps #11 face Corps #11 face
• Corps #11 profil Corps #11 profil
• Corps #11 agenouillé Corps #11 agenouillé
• Corps #12 Corps #12
• Corps #13 Corps #13
• Corps #13 mains Corps #13 mains
• Corps #14 zoom Corps #14 zoom
• Corps #14 dos Corps #14 dos
• Corps #16 Corps #16
• Corps #6 Corps #6
• Corps #7 Corps #7
• Corps #9 Corps #9
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Paolo Nardiello

 

Autoportraits - Le visage des autres nous est plus familier que le nôtre. C’est pourquoi la photographie nous aide à nous regarder comme quelqu’un d’autre. Expérience intime de la confrontation avec soi-même. « C’est soi qu’on voit le moins dans la vie, y compris dans cette fausse perspective du miroir » a écrit Marguerite Duras.

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Il faut savoir parler de soi avant de pouvoir parler des autres. Mais le processus de connaissance de soi n’est que tâtonnements, incertitudes, oscillations, doutes, … Avec cette série d’autoportraits, Paolo Nardiello a su qu’il ne répondrait pas à la question « Qui suis-je ? ». Cette série est seulement représentative du regard qu’il porte sur lui-même. Là où autrefois le visage symbolisait la pierre angulaire de l’autoportrait, il n’est plus questions de le faire figurer à tout prix bien que le terme « autoportrait » subsiste. Que reste-t-il donc de l’autoportrait lorsqu’il est sans figure, sans visage ? Jusqu’à quel point peut-on voir un autoportrait qui n’est pas d’abord un portrait ? Avons-nous dépassé ou élargi les limites de l’autoportrait ? Outre le fait que l’autoportrait contemporain soit indéniablement comme l’art en général une réponse aux angoisses et à l’espoir d’un triomphe sur la mort, ne pourrait-il pas également prendre l’apparence d’un procédé visant à dépasser « cette fausse perspective du miroir » qu’évoquait Marguerite Duras, et dont la principale préoccupation serait un refus du leurre proposé par ce dernier. Lorsque c’est dans l’œuvre elle-même, ou dans le nom, ou encore dans la signature de l’artiste que réside son identité, bien plus que dans son apparence physique.

• Autoportrait 1 Autoportrait 1
• Autoportrait 10 Autoportrait 10
• Autoportrait 11 Autoportrait 11
• Autoportrait 12 Autoportrait 12
• Autoportrait 13 Autoportrait 13
• Autoportrait 14 Autoportrait 14
• Autoportrait 3 Autoportrait 3
• Autoportrait 4 Autoportrait 4
• Autoportrait 7 Autoportrait 7
• Autoportrait 8 Autoportrait 8
• Autoportrait 9 Autoportrait 9
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