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Pablo SCHWICKERT

Artiste autodidacte, passionné très jeune par le graffiti et la couleur, Pablo SCHWICKERT sévit bombe à la main dans la rue avec ses amis.

Mais il veut plus et plus grand.

Après 6 mois passés à Berlin pour se confronter à d'autres artistes, échanger, apprendre, affiner son langage et sa technique, il remporte le prix "st.ART" 2020 du Kulturkompass récompensant les très jeunes talents, envahit le H2O à Oberkorn et y monte une exposition virtuelle en décembre 2020.

C'est un jeune homme culotté et vif traduisant ses impressions du moment à la bombe, aux pastels, sur papier, toile ou bois, influencé par ce qu'il voit, la musique qu'il écoute, son feeling et son ressenti.

Des œuvres, vives, fraîches, colorées et inspirées.

Un jeune talent à l'œil pétillant de malice à découvrir avec curiosité.

Gianni CANDIDO

Elégies et Chants d'Aurore  24.09.20 >24.10.20

Gianni Candido est né en Belgique en 1972, de mère belge et de père italien. Il est devenu très jeune familier avec l'art et l'artisanat en étudiant le commerce et la restauration d'antiquités.

A l'âge de 19 ans, il quitte ses Ardennes natales pour Bruxelles afin d'étudier le journalisme et le cinéma à l'Université Libre de Bruxelles.

Après avoir exploré diverses disciplines artistiques, il s'est concentré sur la photographie. Ce support concret lui a permis de capter l'audience et d'emmener celle-ci vers un voyage plus personnel.

Durant les 10 années qui suivirent et après une initiation spirituelle, son intérêt glissa progressivement de la forme externe vers le royaune intérieur de la beauté, essayant de créer des images qui vont au-delà du monde matériel, traduisant son imagination en images.

Ses séries essaient souvent d'explorer différents niveaux de conscience et les transposent dans ce l'on appelle la réalité. Au travers de la représentation d'univers poétiques et rêvés, il tente de porter l'attention sur la beauté invisible de ce qui nous entoure, explorant la façon dont on approche la matérialité.

L'utilisation d'un appareil lui permet de diriger le regard du spectateur pour l'encourager à regarder les choses différemment, en questionnant la notion de perception telle que nous la connaissons habituellement.

D'un point de vue esthétique, la plupart de ses photographies sont très proches de peintures et il explore toujours les caractéristiques techniques permettant de produire ce style pictural directement au départ de l'appareil photographique.

 

DANSONS!

Invitation paradoxale me direz-vous en ces temps toujours complexes.
Certes.
Il y a cependant mille et une façons de s'évader de notre quotidien et notamment par la pensée et la réflexion.
C'est à ceci que vous invite l'exposition en cours au MOB-ART studio.
Au-delà des formes, des matières, de l'onde ou de la danse, les éléments se répondent et dialoguent, différents mais complémentaires,
bruts ou soyeux, ils cohabitent et se tolèrent en harmonie et intelligence, en spiritualité. Une ode à la vie.

Alors, voyagez à travers votre imaginaire et évadez-vous
en visitant l'exposition consacrée à


Zeina MOUSSALLI et Daniele BRAGONI

Jusqu'au 17 avril 2021

 

MOB-ART studio

Exposition MOUSSALLI - BRAGONI  (par Olivia Boudot-Phang)

Les tableaux de derviches tourneurs sont remplis de légèreté et tout en mouvements. Des fonds de toiles envoutants, des coloris chauds et profonds, à l’image de l’artiste peintre inspirée de son soleil natal libanais.

Une déclinaison des danseurs traditionnels, dont le mysticisme s’échappe du tournoiement symbolique de leur danse.

Chaque toile pourtant si singulière, semble se fondre à l’ensemble en une chorégraphie parfaite.

Zeina Moussalli traduit une vision pleine de bienveillance et de métaphores poétiques à travers les personnages qu’elle met en vie dans sa peinture.

Moutons en séries, danseurs cadencés, volupté et douceur, détails et chaleur s’entremêlent au bout de son pinceau.

L’association des courbes sculptées par Daniele Bragoni apporte une cohérence dans la mise en mouvement des oeuvres.

La galerie de Luc Schroeder est parfaitement orchestrée pour offrir une expérience délectable aux férus d’art vivant.

Exposition Bruno DESPLANQUES (Roubaix-France) - Willi BUCHER (Darmstadt - Allemagne)

Deux peintres contemporains et deux beaux univers à découvrir jusqu'au 10 juillet 2021.

Ces deux interprétations de la Nature et ces peintures sur toile ou sur bois reflètent la passion des ces deux artistes.

Vous dcouvrirez comment les oeuvres de Bruno Desplanques se fondent dans les jardins et forêts "Comme un Buit de Nature", comme des collections privées en Belgique et en France, ou des musées qui ont sélectionné ses oeuvres comme la Piscine à Roubaix ou le Louvres - Lens qui accueillera tout l'été une de ses oeuvres monumentales.

Willi Bucher, également habile artiste digital, vous interpellera par la profondeur de ses toiles et la puissance de ses couleurs minimalistes, fruits de ses recherches graphiques et de sa longue carrière internationale. Willi a notamment été retenu en 2020 par l'ONU dans le cadre des 40 ans du Haut Commissariat d'Aide aux Réfugiés avec 99 autres artistes pour participer à "HeART", événement caritatif de soutien au UNHCR sos forme d'exposition itinérante et de loterie.

Du 1er décembre 2021 au 15 janvier 2022

 

Du 30.03.22 au 07.05.22 au MOB-ART studio
 
Cette exposition mêle les oeuvres et le petit mobilier décalés et humoristiques du designer
Leonard BATENBURG (BAAT design) avec les photographies satiriques du duo
Benjamin LE BRUN et Sara YADAVAR.
Les idées design de Leonard BATTENBURG sont simples et efficaces, colorées et amusantes, tant dans la forme que dans l'utilisation de matériaux de base ou de récupération.
Les photographies de Ben & Sara illustrent, à la façon de Jacques TATI, l'univers des centres commerciaux périphériques.
On y parle de leurs dérives consuméristes visant à transformer l'expérience d'un lieu commercial en celle d'un lieu de vie, emprisonnant ainsi le client dans un univers parallèle et artificiel.
Un regard à la fois léger et sagace sur notre environnement urbain.
 
Samuël Lévy _ Light Movements du 11.05.22 au 18.06.22.
 
Au départ l'aspect quotidien et obsessionnel du dessin est très présent dans mon processus de création, chaque dessin ressemble à un fragment, une parcelle, une infime partie d'un organisme plus grand. Ce schéma nous renvoie à ce que nous sommes; une multitude de cellules différentes reliées les unes aux autres pour recomposer un corps plus vaste.
Des formes qui s’élaborent presqu'à mon insu. Je laisse émerger les formes, toutes les formes possibles, telles qu’elles s’imposent à moi, naturellement.
Des formes géométriques parfois, organiques plus souvent.
Des globules, des cellules, des enchevêtrements tubulaires ,des spirales anarchiques, bref des motifs relevant d’un figuratif fantasmagorique qui semblent avoir, de leur propre chef, remonté le courant de ma pensée pour finir sur mon pinceau, mon crayon ou mon stylo.
Un peu comme si je voulais revenir à mes débuts, et déverser sur papier le flot des émotions qui m'habitent...
 
Samuel Levy

Du 27 octobre au 27 novembre 2021

L'exposition LikeAPainting présente les toutes dernières oeuvres de Yves ULLENS.

Il y a travaillé plus encore la frontière ténue entre la photographie, base de son oeuvre, et la peinture abstraite avec toujours la même recherche de lumière et d'énergie.
Cette fois, la peinture, sa peinture, a été le premier vecteur des nouvelles oeuvres créées.
Cette peinture, sous forme de matrice, s'est vue photographiée par l'artiste pour être imprimée sur toile et présentée au public.
Une sorte de boucle bouclée dans ses recherches créatrices avec la volonté de flouter les limites entre ses deux Arts Majeurs.

Daniele BRAGONI - Essential Lightness

 

Du 18 septembre au 26 octobre 2019

 

53 ans – né à Esch-sur Alzette – Luxembourg - sculpteur

Daniele BRAGONI a été formé à l’Académie des Beaux-arts de Carrara (Italie) où il a obtenu un Master. Il se spécialise durant ses études en toutes techniques sculpturales et  en a fait son métier depuis 30 ans.

Durant les années qui ont suivi cette formation, c’est principalement le marbre qu’il a privilégié et est arrivé à une maîtrise totale de la matière y compris dans les réalisations monumentales. Sa participation à des concours lui a amené divers succès mais, surtout de l’expérience. Outre sculpter, c’est répondre à une architecture et ses fonctionnalités. C’est écouter la matière et donner une réponse en toute harmonie.

Depuis un peu plus de 5 ans, il a créé une forme (l’onde) qu’il explore dans toutes les possibilités qu’il peut exploiter. Devenue de plus en plus fine, légère, l’évidence de la réaliser dans d’autres matières s’est imposée naturellement et il explore d’autres possibilités avec comme élément de recherche la légèreté.

Cette œuvre se développe aussi en terre cuite.

Ce renouvellement permanent dans sa sculpture permet à Daniele Bragoni de l’intégrer sans limite tant à l’intérieur qu’à l’extérieur.

La légèreté et l’équilibre sont pour lui une recherche permanente et l’intégration dans l’espace toujours un but à atteindre.

Ses dernières pièces, créées pour cette exposition, confrontent la sensualité de sa forme première, son onde, avec la géométrie toute rigoureuse et brute du carré et du triangle. Renouveau créatif.

Chantal De Jaeger- Analyste d’Art

Luc Schroeder – Galeriste

 

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Du 20 juin au 10 août 2019

Franca RAVET - peintre

Franca Ravet est née en 1957 à Arlon, en Belgique. Après une formation en « humanités artistiques » à Izel, elle est diplômée en arts plastiques à l’école supérieure des Arts Saint-Luc de Liège.

L’artiste est rapidement mature dans son travail, et développe sa propre créativité. Ses oeuvres se situent au croisement entre abstraction et figuration subtile. L’artiste s’attache à l’humain et à son empreinte, son ressenti, ses sensations. La transparence a dans son travail la plus grande importance: elle témoigne des choix de l’artiste d’effacer ou de laisser les traces de son processus créatif.

Les oeuvres toutes en finesse et en réflexion philosophique de Franca Ravet sont exposées en galerie depuis 1979. Après avoir conquis l’Europe et en particulier son pays natal, la France, le Luxembourg et le Portugal, elle a également exposé en Chine. L’artiste a également reçu des prix pour son travail et ses oeuvres font partie de collections privées et publiques, au Luxemburg, Suisse, Allemagne, Japon et Chine

René KANZLER - du 6 septembre au 20 octobre 2018.

Artiste « photomédiatique »
Au travers de ses œuvres, René Kanzler se concentre sur l’essence de l’image qu’il agrandit de manière à englober le concept même de photographie. Elles deviennent des images photographiques dans lesquelles il met en évidence différents aspects de la réalité. Ce faisant, tous les moyens lui conviennent pour atteindre cette mise en exergue, les images semblant parfois abstraites, parfois superficiellement réalistes.

Le MOB-ART studio a exposé divers travaux de thématiques groupées, récompensés internationalement et produits sur des toiles de grand format ou sur papier.

Les œuvres de René Kanzler ont déjà leur place dans de nombreuses collections européennes telles que la collection d'art Daimler, le musée danois d'art photographique à Odense et dans la collection d'art autrichienne Volpinum à Vienne.

 

 

Boris WILENSKY - du 11 janvier au 23 février 2019

Boris Wilensky est un photographe français, vivant principalement à Paris, quand il ne voyage pas.

Et dans cette phrase, vous avez toutes les caractéristiques qui définissent son travail et son inspiration.

Portraitiste à la base, son besoin de s'exprimer et de créer son univers s'est fait suite à ses premiers voyages hors métropole et à sa perception d'injustices fortes dans les pays visités. C'est un humaniste.

Le choc ressenti en découvrant Tokyo est le terreau d'une trilogie qu'il va développer en plusieurs voyages asiatiques, qui va se muer progressivement de la fascination à un sentiment plus profond et à une inquiétude. Ce fil conducteur tisse le lien entre les premières doubles-expositions de visages juvéniles dans un univers urbain et paradoxalement déshumanisé, à un environnement trouble post Fukushima avec des visages marqués aux lunettes aveugles, jusqu'à des environnements dégradés, des visage marqués, façonnés par le temps et des regards perçants et nostalgiques.

Le jeu des confrontations entre l'environnement et l'humain est captivant. C'est une invitation au voyage, à la découverte des êtres et de l'humain, mais surtout une réflexion sur les limites de l'urbanité qui se nourrit de ses propres restes pour se reconstruire et se déployer toujours plus avant vers une finalité incertaine.

            

 

            

Eric de VILLE - du 26 octobre au 8 décembre 2018

La clé est dans le titre

Photographe spécialisé et reconnu durant trente ans dans la publicité automobile et l'univers du Luxe, Eric de Ville acquiert sa notoriété grâce à une technicité alliée au respect des matières, à son sens des lumières et des compositions, lui offrant ainsi des contrats d’exclusivité avec plusieurs Grandes Maisons. 
En parallèle de cette carrière, Eric de Ville manipule depuis toujours les images dans son laboratoire en leur donnant une dimension purement artistique et imaginaire, voire surréaliste, qui dépasse la simple objectivité descriptive d’une photographie traditionnelle.          
Aujourd’hui, sa maîtrise de la retouche numérique lui permet d’explorer ses inspirations et de concrétiser sans restriction ses projets artistiques.
Sa démarche photographique se rapproche de celle d’un peintre. 

Tchat

A l’inverse d’un photographe traditionnel qui capte un sujet qu’il voit, choisissant le cadrage et attendant la bonne lumière ou l’instant idéal, Eric de Ville pense d’abord au thème ou au sujet qu’il va choisir d’interpréter: la réalité du quotidien, les événements qui l’ont interpellé et marqué dans l’actualité, dans  l’histoire, l’art ou l'humour. 
Une fois le thème choisi vient la manière dont il le traduit et le met en scène avec sa personnalité.
La composition de l'œuvre se base sur ses propres prises de vue qui seront ensuite manipulées numériquement pour arriver à l’œuvre finale.
Soucieux du détail, de la qualité et de la justesse de la lumière, son travail n’est pas un simple "collage" de divers éléments, mais bien une recomposition faite avec sa sensibilité pour en arriver à créer une réalité "virtuelle" qui questionne le spectateur.
Derrière ses compositions, il y a un message que chacun est libre de voir et d’interpréter suivant ses codes, la clé étant dans le titre. (D.Brouwers)

        Babel en Black and Night

 Good Morning Europe

Cette exposition réunit deux artistes, un peintre et un photographe, dont la ligne artistique se frôle et se croise dans un univers de lumières et de couleurs fortes, en une identique et positive énergie.

Une synergie créatrice et amicale qui vous invite à réfléchir et à méditer sur ce qui nous entoure, sur l'essence des choses, sur la spiritualité et la Lumière.

"Les formes génératives de Samuël Levy sont à la fois animales et végétales, spontanées et sans limites. Chaque peinture ressemble à un fragment, une pièce, une infime partie d'un organisme plus grand. Ce schéma nous ramène à ce que nous sommes: différentes petites cellules connectées les unes aux autres pour reconstruire un corps plus grand."

"La démarche photographique d’Yves Ullens vise à traquer les formes de lumière. Ces lumières rayonnent d'objets et d'expériences quotidiennes. Par instinct, l'artiste les capture et restitue leur énergie et leurs couleurs, tout en refusant de les adultérer avec des effets de palette graphique. Ce qui le captive, c'est de saisir l'intensité de la lumière inhérente à chaque situation, objet ou paysage (même les plus courants), et en dévoiler d'une manière simple sa subtilité et sa force.
Ses photos sont presque des peintures, répondant à la même quête esthétique et reflétant la même intensité. Elles sont une invitation à découvrir et à se délecter de sensations visuelles pures." (Bernard Drion du Chapois)

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