Pablo SCHWICKERT

Artiste autodidacte, passionné très jeune par le graffiti et la couleur, Pablo SCHWICKERT sévit bombe à la main dans la rue avec ses amis.

Mais il veut plus et plus grand.

Après 6 mois passés à Berlin pour se confronter à d'autres artistes, échanger, apprendre, affiner son langage et sa technique, il remporte le prix "st.ART" 2020 du Kulturkompass récompensant les très jeunes talents, envahit le H2O à Oberkorn et y monte une exposition virtuelle en décembre 2020.

C'est un jeune homme culotté et vif traduisant ses impressions du moment à la bombe, aux pastels, sur papier, toile ou bois, influencé par ce qu'il voit, la musique qu'il écoute, son feeling et son ressenti.

Des œuvres, vives, fraîches, colorées et inspirées.

Un jeune talent à l'œil pétillant de malice à découvrir avec curiosité.

Gianni CANDIDO

Elégies et Chants d'Aurore  24.09.20 >24.10.20

Gianni Candido est né en Belgique en 1972, de mère belge et de père italien. Il est devenu très jeune familier avec l'art et l'artisanat en étudiant le commerce et la restauration d'antiquités.

A l'âge de 19 ans, il quitte ses Ardennes natales pour Bruxelles afin d'étudier le journalisme et le cinéma à l'Université Libre de Bruxelles.

Après avoir exploré diverses disciplines artistiques, il s'est concentré sur la photographie. Ce support concret lui a permis de capter l'audience et d'emmener celle-ci vers un voyage plus personnel.

Durant les 10 années qui suivirent et après une initiation spirituelle, son intérêt glissa progressivement de la forme externe vers le royaune intérieur de la beauté, essayant de créer des images qui vont au-delà du monde matériel, traduisant son imagination en images.

Ses séries essaient souvent d'explorer différents niveaux de conscience et les transposent dans ce l'on appelle la réalité. Au travers de la représentation d'univers poétiques et rêvés, il tente de porter l'attention sur la beauté invisible de ce qui nous entoure, explorant la façon dont on approche la matérialité.

L'utilisation d'un appareil lui permet de diriger le regard du spectateur pour l'encourager à regarder les choses différemment, en questionnant la notion de perception telle que nous la connaissons habituellement.

D'un point de vue esthétique, la plupart de ses photographies sont très proches de peintures et il explore toujours les caractéristiques techniques permettant de produire ce style pictural directement au départ de l'appareil photographique.

 

INTO THE DEEP - du 28 février au 13 avril 2019

Anne LINDNER et Christian NEUMAN

Deux jeunes artistes aux talents multiples nous proposent une plongée dans leur univers respectif:

Anne LINDNER:

Wax, travail à la cire sur fins panneaux de bois, tout en camaïeux de bleus profonds, une descente abyssale, un univers de contes peuplés de personnages fantasques,
comme une rêveuse interprète les nuages.

        

 

Christian NEUMAN:

Peinture à l'huile sur toile, en superpositions de couches, de mouvements, entre vigueur et profondeur, du brillant au mat, impression et sensibilité violentes, une profondeur tridimensionnelle sur la peu lisse de la toile.

               

 

WINTER LIGHT - Group Show

 

Cette exposition de fin d'année réuni une dizaine d'artistes avec des oeuvres récentes ou prévues initialement pour la Luxembourg Art Week 2020.

L'occasion était belle de vous faire découvrir tout ceci en live à la galerie et de vous suggérer des idées de cadeaux de qualité en faisant vivre nos artistes.

Nous accueillons pour la première fois Arlex Sculptural-Art et son tigre monumental en acier facetté façon Orlinski ou plus exactement Veilhan, mais vous rouverez également:

- Franca RAVET en grands et petits formats

- Samuël LEVY avec ses crânes, ses boards et ses petits formats colorés de nature artificielle

- Les acryliques de Flore FOUILLOY

- Anne LINDNER avec un dyptique poètique, dynamique et coloré sur toile

- Les MOTS de Manon MORET couvrant des corps, tiout en réflexions

- Eric de VILLE drapant sa Babel parisienne en Black and Night

- L'oeuvre UFOS IV sur textile de Christian NEUMAN

- Les marbres envoûtants de Daniele BRAGONI

- L'univers de contes de Claire FANJUL entre oeufs d'autruches et crânes

ou

- Les Bruits de Nature impressionnistes de Bruno DESPLANQUES

"Women Only"

Exposition regroupant 9 talents exclusivements féminins du 22 juillet au 12 septembre 2020.

Nous y présentons de la peinture biensûr avec Franca RAVET, Bernadette SNYERS, Margret TRIMBORN, Flore FOUILLOY, Zénia MOUSSALLI et Geneviève REILLE-TAILLEFERT, mais aussi de la sculpture avec deux masques de créés par Franca RAVET ou de la céramique avec la jeune luxembourgeoise Léa SCHROEDER et enfin de la photographie avec Florence IFF et les compositions ludiques de Txiki MARGALEF.

Un voyage en formes, en couleurs, mais aussi en profondeur dans l'univers féminin multiple d'artistes européennes.

 

INTERPRETATION - du 27.02.20 au 11.04.20

Claire Fanjul et Sébastien Grébille

Claire FANJUL

Claire Fanjul est une artiste française exposant régulièrement à Paris, Bruxelles, Miami et New York.
L'émission Métropolis d'Arte TV lui consacre un reportage en mai 2019.
Très attachée au papier, l'artiste intervient également sur des supports en trois dimensions tels que des œufs d'autruches et des crânes en céramique. En octobre 2018, son premier conte musical illustré sur le thème des Bottes de Sept Lieues, est édité chez Harmonia Mundi / Little Village.
Elle développe depuis 2018 la série Utopia en dessinant au Posca sur des sphères en bois. Ces cartographies imaginaires sont présentées à Bruxelles, New York, San Francisco ou encore Miami et à Paris.
En 2019, les œuvres de Claire sont exposées au musée d'art outsider La Halle Saint Pierre dans le cadre de l'exposition Hey! Act 4 qui regroupe 35 artistes internationaux.
En 2020 sort son premier dessin pour Carré de soie intitulé La Folle Parade, édité par Hermès Paris.

Sébastien GREBILLE

Violoniste à l’Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Sébastien Grébille s’est approché de la photographie par le biais de la musique. Retranscrire au public l’émotion, le geste technique ou la puissance des maîtres du classique est devenu incontournable.

Peu à peu, il se mit à chercher ces ambiances intenses, lyriques et dramatiques en d’autres lieux.

La recherche de sites intemporels et surréalistes parfois, où l’on retrouve une nature puissante, féérique, sauvage, mais aussi des traces de civilisation devint une priorité. Pour mettre en scène ces vues hors du commun, il utilise une technique de longue exposition : les ciels chargés de nuages denses s’expriment alors librement, la mer devient laiteuse, ce qui suggère la vision d’un autre monde.

Daniele BRAGONI - Essential Lightness

 

Du 18 septembre au 26 octobre 2019

 

53 ans – né à Esch-sur Alzette – Luxembourg - sculpteur

Daniele BRAGONI a été formé à l’Académie des Beaux-arts de Carrara (Italie) où il a obtenu un Master. Il se spécialise durant ses études en toutes techniques sculpturales et  en a fait son métier depuis 30 ans.

Durant les années qui ont suivi cette formation, c’est principalement le marbre qu’il a privilégié et est arrivé à une maîtrise totale de la matière y compris dans les réalisations monumentales. Sa participation à des concours lui a amené divers succès mais, surtout de l’expérience. Outre sculpter, c’est répondre à une architecture et ses fonctionnalités. C’est écouter la matière et donner une réponse en toute harmonie.

Depuis un peu plus de 5 ans, il a créé une forme (l’onde) qu’il explore dans toutes les possibilités qu’il peut exploiter. Devenue de plus en plus fine, légère, l’évidence de la réaliser dans d’autres matières s’est imposée naturellement et il explore d’autres possibilités avec comme élément de recherche la légèreté.

Cette œuvre se développe aussi en terre cuite.

Ce renouvellement permanent dans sa sculpture permet à Daniele Bragoni de l’intégrer sans limite tant à l’intérieur qu’à l’extérieur.

La légèreté et l’équilibre sont pour lui une recherche permanente et l’intégration dans l’espace toujours un but à atteindre.

Ses dernières pièces, créées pour cette exposition, confrontent la sensualité de sa forme première, son onde, avec la géométrie toute rigoureuse et brute du carré et du triangle. Renouveau créatif.

Chantal De Jaeger- Analyste d’Art

Luc Schroeder – Galeriste

 

Du 20 juin au 10 août 2019

Franca RAVET - peintre

Franca Ravet est née en 1957 à Arlon, en Belgique. Après une formation en « humanités artistiques » à Izel, elle est diplômée en arts plastiques à l’école supérieure des Arts Saint-Luc de Liège.

L’artiste est rapidement mature dans son travail, et développe sa propre créativité. Ses oeuvres se situent au croisement entre abstraction et figuration subtile. L’artiste s’attache à l’humain et à son empreinte, son ressenti, ses sensations. La transparence a dans son travail la plus grande importance: elle témoigne des choix de l’artiste d’effacer ou de laisser les traces de son processus créatif.

Les oeuvres toutes en finesse et en réflexion philosophique de Franca Ravet sont exposées en galerie depuis 1979. Après avoir conquis l’Europe et en particulier son pays natal, la France, le Luxembourg et le Portugal, elle a également exposé en Chine. L’artiste a également reçu des prix pour son travail et ses oeuvres font partie de collections privées et publiques, au Luxemburg, Suisse, Allemagne, Japon et Chine

Le MOB-ART studio est heureux de participer à la Biennale du Mois Européen de la Photographie

A cette occasion nous présenterons du 3 mai au 15 juin 2019: Florence IFF, Manon MORET et FEEBRILE.

3 artistes féminines

3 univers créatifs

3 sensibilités

Une découverte.

 

MULTY ARTY 1 - du 16 avril au 27 avril 2019.

Christiana Biron, Flore Fouilloy, Franca Ravet, Danile Bragoni, Eric de Ville, René Kanzler, Paolo Nardiello, Lea Schroeder

 

 

 

René KANZLER - du 6 septembre au 20 octobre 2018.

Artiste « photomédiatique »
Au travers de ses œuvres, René Kanzler se concentre sur l’essence de l’image qu’il agrandit de manière à englober le concept même de photographie. Elles deviennent des images photographiques dans lesquelles il met en évidence différents aspects de la réalité. Ce faisant, tous les moyens lui conviennent pour atteindre cette mise en exergue, les images semblant parfois abstraites, parfois superficiellement réalistes.

Le MOB-ART studio a exposé divers travaux de thématiques groupées, récompensés internationalement et produits sur des toiles de grand format ou sur papier.

Les œuvres de René Kanzler ont déjà leur place dans de nombreuses collections européennes telles que la collection d'art Daimler, le musée danois d'art photographique à Odense et dans la collection d'art autrichienne Volpinum à Vienne.

 

 

Boris WILENSKY - du 11 janvier au 23 février 2019

Boris Wilensky est un photographe français, vivant principalement à Paris, quand il ne voyage pas.

Et dans cette phrase, vous avez toutes les caractéristiques qui définissent son travail et son inspiration.

Portraitiste à la base, son besoin de s'exprimer et de créer son univers s'est fait suite à ses premiers voyages hors métropole et à sa perception d'injustices fortes dans les pays visités. C'est un humaniste.

Le choc ressenti en découvrant Tokyo est le terreau d'une trilogie qu'il va développer en plusieurs voyages asiatiques, qui va se muer progressivement de la fascination à un sentiment plus profond et à une inquiétude. Ce fil conducteur tisse le lien entre les premières doubles-expositions de visages juvéniles dans un univers urbain et paradoxalement déshumanisé, à un environnement trouble post Fukushima avec des visages marqués aux lunettes aveugles, jusqu'à des environnements dégradés, des visage marqués, façonnés par le temps et des regards perçants et nostalgiques.

Le jeu des confrontations entre l'environnement et l'humain est captivant. C'est une invitation au voyage, à la découverte des êtres et de l'humain, mais surtout une réflexion sur les limites de l'urbanité qui se nourrit de ses propres restes pour se reconstruire et se déployer toujours plus avant vers une finalité incertaine.

            

 

            

Eric de VILLE - du 26 octobre au 8 décembre 2018

La clé est dans le titre

Photographe spécialisé et reconnu durant trente ans dans la publicité automobile et l'univers du Luxe, Eric de Ville acquiert sa notoriété grâce à une technicité alliée au respect des matières, à son sens des lumières et des compositions, lui offrant ainsi des contrats d’exclusivité avec plusieurs Grandes Maisons. 
En parallèle de cette carrière, Eric de Ville manipule depuis toujours les images dans son laboratoire en leur donnant une dimension purement artistique et imaginaire, voire surréaliste, qui dépasse la simple objectivité descriptive d’une photographie traditionnelle.          
Aujourd’hui, sa maîtrise de la retouche numérique lui permet d’explorer ses inspirations et de concrétiser sans restriction ses projets artistiques.
Sa démarche photographique se rapproche de celle d’un peintre. 

Tchat

A l’inverse d’un photographe traditionnel qui capte un sujet qu’il voit, choisissant le cadrage et attendant la bonne lumière ou l’instant idéal, Eric de Ville pense d’abord au thème ou au sujet qu’il va choisir d’interpréter: la réalité du quotidien, les événements qui l’ont interpellé et marqué dans l’actualité, dans  l’histoire, l’art ou l'humour. 
Une fois le thème choisi vient la manière dont il le traduit et le met en scène avec sa personnalité.
La composition de l'œuvre se base sur ses propres prises de vue qui seront ensuite manipulées numériquement pour arriver à l’œuvre finale.
Soucieux du détail, de la qualité et de la justesse de la lumière, son travail n’est pas un simple "collage" de divers éléments, mais bien une recomposition faite avec sa sensibilité pour en arriver à créer une réalité "virtuelle" qui questionne le spectateur.
Derrière ses compositions, il y a un message que chacun est libre de voir et d’interpréter suivant ses codes, la clé étant dans le titre. (D.Brouwers)

        Babel en Black and Night

 Good Morning Europe

Christian NEUMAN:

Artiste luxembourgeois aux multiples facettes et talents, connu au Luxembourg et à l'étranger par son travail cinématographique en tant que scénariste et réalisateur, ou pour ses collections de vêtements, Christian NEUMAN présente cette fois en solo show l'évolution de son travail pictural.

En une dizaine d'années, l'évolution du travail pictural de Christian s'est effectuée de manière radicale, à son image.Il passe allègrement d'un figuratisme punk/trash fleurant l'underground londonien et son atmosphère interlope, à une abstraction tangente, sur le fil, ou les éléments sont suggérés, cachés mais présents, oû les couleurs prennent le pas sur le sujet pour créer le cadre et le choc. Cette évolution récente, où le plaisir de la toile est retrouvé, après un passage par la matière pure et dure avec la récupération de matériaux sans support mais interpellant sur le mode de vie actuel, traduit aussi la fatuité, dans un monde surmédiatisé, d'ajouter de l'image pour l'image. 

Ses nouvelles œuvres, fortes et hautes en couleurs, gardent la profondeur de ce qui est caché et à découvrir, d'émotions 3d compressées sur la toile, d'impressions urbaines d'un underground londonien ou tokyoïte dans lesquelles vaguabnde son imaginaire. (LS)

Cette exposition réunit deux artistes, un peintre et un photographe, dont la ligne artistique se frôle et se croise dans un univers de lumières et de couleurs fortes, en une identique et positive énergie.

Une synergie créatrice et amicale qui vous invite à réfléchir et à méditer sur ce qui nous entoure, sur l'essence des choses, sur la spiritualité et la Lumière.

"Les formes génératives de Samuël Levy sont à la fois animales et végétales, spontanées et sans limites. Chaque peinture ressemble à un fragment, une pièce, une infime partie d'un organisme plus grand. Ce schéma nous ramène à ce que nous sommes: différentes petites cellules connectées les unes aux autres pour reconstruire un corps plus grand."

"La démarche photographique d’Yves Ullens vise à traquer les formes de lumière. Ces lumières rayonnent d'objets et d'expériences quotidiennes. Par instinct, l'artiste les capture et restitue leur énergie et leurs couleurs, tout en refusant de les adultérer avec des effets de palette graphique. Ce qui le captive, c'est de saisir l'intensité de la lumière inhérente à chaque situation, objet ou paysage (même les plus courants), et en dévoiler d'une manière simple sa subtilité et sa force.
Ses photos sont presque des peintures, répondant à la même quête esthétique et reflétant la même intensité. Elles sont une invitation à découvrir et à se délecter de sensations visuelles pures." (Bernard Drion du Chapois)

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